NOCHEVIEJA

Hace pocos días despedíamos al director Rob Reiner y hoy, que es el último día del año, quiero recordarle con la escena final de “Cuando Harry encontró a Sally”, ideada por Nora Ephron como un homenaje claro al final de otra gran película ambientada en Nochevieja y en Nueva York, “El apartamento” de Billy Wilder.

En la escena final de “El Apartamento” vemos a la señorita Kubelik (Shirley McLaine) bostezando en medio de una fiesta de Fin de Año con su amante Jeff Sheldrake (Fred MacMurray), y al contarle éste que C.C.Baxter (Jack Lemmon) le ha dicho que nunca más le dejará su apartamento para sus encuentros furtivos, de pronto cae en la cuenta de que él la ha amado en secreto durante todo el tiempo (impresionante cómo se le iluminan los ojos en esa escena).

Deja la fiesta sin dar más explicación y comienza a correr sin parar hasta llegar al apartamento de C.C. Baxter. Como sabéis, Miss Kubelik y C.C.Baxter comienzan el año (y el resto de sus vidas) jugando una partida de cartas.

La escena final de "Cuando Harry encontró a Sally" comienza con un taciturno Billy Crystal, paseando por las calles de Nueva York en Nochevieja. De pronto, poseído por el mismo impulso “kubelikiano” empieza a correr, mientras suena “It had to be you” interpretada por Frank Sinatra. 

Después de trece años de encuentros y desencuentros, Harry decide presentarse en la fiesta de Nochevieja en la que está Sally para declararle su amor:

 HARRY: He estado pensando mucho y el caso es que te quiero.

SALLY: ¿Qué?

HARRY: Te quiero.

SALLY:¿Qué esperas que responda a eso?

HARRY: ¿Qué tal que tu también me quieres?

SALLY: ¿Qué tal si me marcho?

HARRY: ¿Lo que te he dicho no significa nada?

SALLY: Lo siento Harry. Sé que es Nochevieja, sé que te sientes solo, pero no puedes aparecer, decir que me quieres y esperar que eso lo arregle todo. No funciona así.

HARRY: ¿Cómo funciona entonces?

SALLY: No lo sé pero no es así.

HARRY: ¿Entonces qué tal así? Me gusta que tengas frío cuando fuera hace 21ºC, me gusta que te cueste una hora y media pedir un sandwich, adoro la arruga que se te forma aquí cuando me miras como si estuviera loco, me gusta oler tu perfume en mi ropa después de pasar el día contigo y quiero que seas la última persona con la que hable antes de dormirme por las noches. Y eso no es porque esté solo ni tampoco porque sea Nochevieja. He venido aquí esta noche porque cuando te das cuenta de que quieres pasar el resto de tu vida con alguien, deseas que el resto de tu vida empiece lo antes posible.

AU REVOIR B.B.

 

En el día en que despedimos a Brigitte Bardot quiero traer al blog uno de los episodios más polémicos de su vida, relatado por Felipe Cabrerizo en la imprescindible biografía de Serge Gainsbourg "Elefantes Rosas": 

"Michel Colombier ha ajustado los arreglos del tema, que se intenta grabar en el estudio Barclay en presencia de los músicos. Pero la cosa no funciona. Colombier decide dejar grabada la parte musical y reintentarlo al día siguiente. La sesión arranca a las diez de la noche. Serge y Brigitte llegan en taxi y se encuentran un ambiente de total intimidad: en la sesión sólo están Colombier y el ingeniero de sonido, Denis Bourgeois. Tras bajar las luces entran juntos en una pequeña cabina con dos micrófonos pegados el uno al otro. Se cogen de la mano, se acarician, se besan. Ambos cantan y gimen y la grabación queda completa en un par de horas. Gainsbourg comprueba que ha quedado perfecta, que ha conseguido una obra mayor destinada a convertirse en un clásico, una obra cuyo eco no quedará limitado por las fronteras francesas. Orgulloso, se la hace escuchar a algunos periodistas de confianza, sin darse cuenta de que la cosa ha ido demasiado lejos, de que el resultado supera todo lo imaginable en la Francia del 67. Y el eco se dispara. Los rumores hablan de que la canción no es sino una grabación real de una sesión carnal entre ambos. El 12 de diciembre Gainsbourg y Bardot se desayunan con un artículo en France-Dimanche que la define como “4 minutos 35 de jadeos y suspiros de amor¨ y explica cómo `ni Gunter Sachs, el Mario de Brigitte, tuvo permiso para entrar en el estudio.¨

A Gunter Sachs, que abre el periódico esa misma mañana en su mansión suiza, se le atraganta el café al toparse con el artículo. Lleno de cólera, coge el primer avión a París y monta una escena a Brigitte, a la que amenaza con hundir su reputación y obliga a elegir entre Gainsbourg o él. Por supuesto, le exige que prohíba la publicación del disco. Brigitte se asusta y envía un telegrama a la discográfica para bloquear su salida. Busca a Gainsbourg, al que encuentra en casa de sus padres. Ambos se refugian en una de las habitaciones y al cabo de una hora Brigitte sale de allí y toma un taxi. Serge ha intentado por todos los medios que no lo abandone. Pero ha sido en vano.

Cuando los funcionarios de justicia acuden al estudio a recoger el máster de la grabación Claude Dejacques se cuida muy mucho de no darles más que una copia. Conserva el original en su oficina confiando en poder darle una nueva vida en otro momento. Para entonces el tema se ha convertido ya en escándalo: su única emisión radiofónica será ni más ni menos que en un informativo de la cadena de radio Europe nº1. El alboroto está servido. Bardot, tradicional objetivo de virulentos ataques por parte de la prensa francesa, les ha ofrecido un scoop de largo alcance que ningún periodista piensa desaprovechar. La revista Paris-Presse L´Intransigent dedica un artículo a la canción encabezado por este disparatado titular, en mayúsculas:

DE VEZ EN CUANDO BRIGITTE SUELTA PEQUEÑOS GRITOS DE PLACER Y SUSPIRA CON ALEGRÍA. FRANCAMENTE DA LA IMPRESIÓN DE ESCUCHAR LOS RETOZOS DE DOS AMANTES.

La Nochevieja de 1967 Serge es invitado a las ondas de France Inter y por primera vez explica lo sucedido en los últimos días:

-        Ha habido una artículo escandaloso en un periódico escandaloso y no creo que sea necesario hacer algo así con esta canción porque es algo hermoso. Es un disco erótico que evidentemente hubiera sido prohibido a los menores de dieciocho años. Pero su música era pura. Por primera vez en mi vida he escrito una canción de amor y sucede todo esto… Bardot la ha interpretado de una manera maravillosa. Estoy encantado de haber trabajado con ella, la he hecho cantar de manera dramática y ha quedado bien.

-        ¿Has pasado una buena Navidad?

-        Sí, solo.

(…) Esa misma tarde los amantes se ven por última vez. “Volví a ver a Serge en mi casa de la Avenida Paul Doumer mientras preparaba el equipaje. Llenó mi maleta de pequeñas palabras de amor garabateadas sobre partituras musicales, por ambas caras. En el último momento me hice un corte en el dedo índice de mi mano derecha y escribí `Je t´aime´ con mi sangre. Él hizo lo mismo y escribió `moi non plus´. Y mezclamos nuestras lágrimas, nuestras manos, nuestras bocas, nuestros suspiros.”

La separación es definitiva. “Fue un amor loco. Un amor como los que se sueñan. Un amor que se mantendrá en nuestra memoria y en la memoria. Todavía hoy, cuando alguien habla de Gainsbourg, se le asocia siempre a Bardot, pese a todas las mujeres que han jalonado su vida, y todos los hombres que han compartido la mía. Desde ese día, desde esa noche, desde ese instante, ningún otro hombre cuenta para mí. Era mi amor, me daba la vida, me hacía sentir hermosa, yo era su musa. “

Je t´aime, moi non plus en versión Bardot quedará inédita hasta que en 1986 la actriz permita su publicación, poniendo como condición que los royalties que genere sean donados a su asociación para la protección de los animales.

FELIPE CABRERIZO “ Gainsbourg. Elefantes Rosas”

 Y por último, LA CANCIÓN: 

¡QUÉ BELLO ES VIVIR! (II)

 

"No le presté la menor la menor atención a si los críticos vitoreaban o abucheaban ¡Qué bello es vivir!. Creía que era el mejor filme que había hecho nunca. Mejor aun, creía que era el mejor filme que nadie había hecho nunca. No estaba hecho para los oh tan aburridos críticos, o los oh tan ahítos intelectuales. Era mi clase de filme para mi clase de gente; la película que había deseado hacer desde que mire por primera vez en el visor de una cámara en aquel gimnasio judío de San Francisco.

Un filme para decirles a los cansados, a los descorazonados y a los desilusionados; al borracho, al drogadicto, a la prostituta, a aquellos tras las rejas de una prisión y a aquellos tras los Telones de Acero, que ¡ningún hombre es un fracaso!.

Para mostrar a aquellos nacidos lentos de pies o lentos de mente, aquellas hermanas mayores condenadas a la soltería, y a aquellos hijos mayores condenados a trabajar sin haber conocido una educación, que la vida de cada hombre toca muchas otras vidas. Y que si el no esta allí dejara un tremendo agujero.

Un filme que les decía a los oprimidos, a los empujados de un lado para otro, a los pobres: "Arriba las cabezas, amigos. Ningún hombre es pobre si tiene un amigo. Tres amigos, y eres asquerosamente rico."

Un filme que expresa su amor hacia los sin hogar y los sin amor; para ella cuya cruz es pesada y para el cuyo toque es ceniza; para las Magdalenas lapidadas por hipócritas y los afligidos Lázaros con solo perros para lamer sus llagas.

Deseaba gritarlo a los abuelos abandonados que miraban con ojos vacíos en los asilos de ancianos, a los siempre entrevistados pero raramente adoptados huérfanos mestizos, a los pobres que se niegan a morir mientras buitres médicos aguardan para arrancarles sus corazones y sus hígados, y aquellos que reciben tratamiento de cobalto y silban... Deseaba gritar: "¡Sois la sal de la tierra, y ¡Que bello es vivir! es un homenaje a todos vosotros!".

Y mi clase de gente vió el filme. Y tocó sus corazones, y los motivó a escribir miles de cartas, la mayoría de ellos testimonios de primera mano."

FRANK CAPRA “El hombre delante del título”

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ROB REINER

 

Hoy nos  hemos enterado del triste final del director Rob Reiner y su esposa, aquí va un recuerdo a los buenos momentos que nos hizo pasar en una sala de cine, os dejamos con unas palabras del actor Cary Elwes sobre él:

“Hacia la misma época, Rob estaba dando los toques finales a Cuenta conmigo una adaptación de una novela de Stephen King que sería reconocida como una de las mejores historias que Hollywood jamás ha producido sobre el paso de la niñez a la madurez. Tras mi llegada a Londres, Rob organizó un pase privado para mi en los estudios Pinewood, y recuerdo que me conmovió profundamente. No había visto unos niños actuando de manera tan honesta desde Los 400 golpes de Truffaut. Al ver This is Spinal Tap, Juegos de amor en la universidad y Cuenta conmigo, supe que Rob estaba teniendo una buena racha. Sus películas eran muy diferentes en género y tono, y todas funcionaron muy bien. Era un director con una visión única que hacía películas memorables. Realmente, no había nadie más haciendo el tipo de trabajo que hacía él. Así que, con esa impresionante obra a sus espaldas, Rob se ganó el derecho a escoger su próximo proyecto basándose principalmente en lo que quería hacer en lugar de en lo que se esperaba de él. Prácticamente se le concedió carta blanca. Por lo que tengo entendido, la conversación entre Rob y el entonces jefe de Columbia Picures, iba a lanzar Cuenta Conmigo, fue algo así:

-         - Lo que quieras- le dijo el jefe del estudio- Cualquier cosa.

-       -   ¿De verdad? ¿Cualquier cosa?- respondió Bob con alegría.

-         -  Sí.

-         -  En ese caso quiero hacer mi libro favorito.- respondió Rob.

-          - ¿Cuál es?

-       -    La princesa prometida.

-        -     ¡Cualquier cosa menos eso!- replicó al instante.

Y así, el proyecto se estancó un tiempo. Pero Rob era perseverante. Aunque tiene un espíritu extraordinariamente cálido y generoso, no es propenso al tipo de ego desenfrenado que no es poco común entre las altas esferas de Hollywood, no es ningún pusilánime. De hecho, su clara determinación y su visión fueron las mayores responsables de que la película se convirtiera en realidad.”

CARY ELWES “Como Desees”.

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THE LITTLE FOXES/ LA LOBA (1941)

La gloriosa dupla Hellman-Wyler tuvo en 1940 otra de sus excelentes colaboraciones en “La Loba”.  

Esta película, producida por Samuel Goldwyn, se basó en la obra de teatro escrita por Lillian Hellman en 1939 que fue un auténtico éxito en Broadway, se representó durante 410 funciones en el National Theatre de Nueva York con  Tallulah Bankhead como protagonista.

                      Tallulah Bankhead como Regina Hubbard

La idea del título original en inglés “The Little Foxes” se la dio Dorothy Parker a Hellman inspirada la cita de la Biblia: “Cazadnos las zorras, las zorras pequeñas que echan a perder las viñas, porque nuestras uvas están tiernas.”

La obra se dice que está inspirada en la propia familia materna de Hellman que dijo en una entrevista en Los Angeles Times el 4 de junio de 1975: "Yo pertenecía, por el lado de mi madre, a una familia de banqueros y dueños de tiendas de Alabama y las cenas de los domingos eran abundantes, con conversaciones animadas y risas de las personas mayores sobre quién le hizo qué a quién."

Hellman contó lo complicado de la creación de la obra en su biografía: “The Little Foxes fue la obra más difícil que haya escrito nunca. Me sentía torpe en los primeros borradores, metiendo y sacando personajes, ornamentándola, decorándola, y sintiéndome más y más débil a medida que echaba al cesto escenas y luego actos y luego la obra completa.”

LILLIAN HELLMAN “Pentimento”.

                          

La historia (encuadrada en el género denominado gótico sureño) está ambientada en el sur de Estados Unidos en 1900, en la era post Guerra Civil Americana. Narra las luchas internas dentro de la familia Hubbard: Regina y sus dos hermanos Ben y Oscar, no menos avariciosos que ella,  intentan cerrar un acuerdo de negocios con el empresario industrial de Chicago William Marshall. Regina necesita atraer de nuevo al hogar a su enfermo marido Horace, dado que necesita de su dinero para invertir en el negocio, para lo que convence a su hija Alexandra. Después de que Horace se niegue a darle el dinero que ella necesita, Regina permite que él muera al negarse a buscarle su medicina cuando éste sufre un ataque al corazón.

Dos meses le llevó adaptar a Lillian Hellman su obra de teatro a un guión cinematográfico, pero el resultado fue óptimo, según Wyler “Hellman había hecho un gran trabajo abriendo la obra teatral, conservando intactas las mejores escenas, creando otras nuevas y desarrollando nuevos escenarios y personajes, por ejemplo los de la pareja joven, para suavizar las alternativas positivas a la mayoría de los siniestros personajes de la obra.”

Godlwyn y Wyler pensaron inmediatamente en Bette Davis para el papel protagonista de Regina, pero ésta estaba bajo contrato con la Warner Brothers y no era una compañía muy dada a prestar a otros estudios sus grandes estrellas. Pero la suerte, una vez más, cayó del lado de Goldwyn que se enteró que Jack Warner estaba preparando la película “Sargento York” y quería a Gary Cooper para el papel, así que Warner accedió al intercambio. Quedaba un último escollo, Davis se la tenía jurada a Goldwyn dado que una prueba para una película de 1929 éste le había rechazado diciendo “¿Qué estáis tratando de colarme? ¿No véis que tiene unos ojos asquerosos y habla a trompicones?”, así que, aunque Davis se moría de ganas de interpretar el papel de Regina tensó la negociación hasta que obtuvo para ella por este papel 385.000 dólares la cifra más alta dada hasta la fecha por un intercambio de estudios.

                   

Davis no quería ver la obra teatral para no condicionar su interpretación, pero terminó cediendo ante Wyler y quedó impresionada con la interpretación de la Bankhead de su papel, Regina Hubbard, de la que dijo ” una vez que la vi supe que estaba representada de la única manera que podía hacerse”. No obstante, Davis quiso darle su sello particular al personaje, lo que ocasionó no pocas fricciones entre ella y el director William Wyler (antiguo amante suyo). Entre otras adiciones, Bette Davis se empeñó en embadurnarse la cara de polvos de arroz, en parte para darle a su personaje una mayor frialdad e hieratismo (y posiblemente para envejecerse dado que en el momento de rodaje Davis apenas contaba con 32 años e interpretaba a una mujer en edad madura con una hija de al menos 18 años). Al final todos estos añadidos de Davis al personaje resultaron ser un acierto, y combinados con la estupenda fotografía de Gregg Toland resultaron una estupenda adaptación cinematográfica del la obra original:

                          

“La cámara de Toland mostraba toda su fuerza en la escena culminante de la obra, cuando Horace le pide a Regina que vaya a buscarle su medicación para el corazón. Ella se niega a hacerlo. En esa escena, parece que lo esencial es el hombre que lucha por levantarse de su silla de ruedas y subir las escaleras, pero según Wyler: `Lo interesante aquí es la mujer. La escena es su cara, lo que está pasando dentro de ella. Podías no sacarle siquiera, hacer, por ejemplo, que sólo se le oyera tambalearse en las escaleras, tosiendo, lo que fuera. ¨Naturalmente, era mucho más efectivo tenerle al fondo, fuera de imagen, tratando de subir la escalera. Toland, al que Goldwyn había prestado a Orson Welles para el que hizo la fotografía de Ciudadano Kane, había estado probando una técnica llamada profundidad de campo con la que la cámara podía recoger al mismo tiempo una zona próxima y otra lejana. Permitía al director conseguir el efecto deseado, hacer que los espectadores “crean estar viendo algo que se supone que no ven. Ver al marido al fondo te hace mirar hacia allí, pero lo que estabas viendo era la cara de ella¨ Años más tarde, Lillian Hellman reconocía que una gran parte de la película- y esa escena en particular- resultaba mejor que la obra de teatro, y era gracias a la visión de Willy”

 A.SCOTT BERG “Goldwyn”

Por último mencionar como curiosidad que  Patricia Collinge y Theresa Wright (aquí tía-sobrina) repetirían el año siguiente interpretando a madre e hija en  "La sombra de una duda" de Alfred Hitchcock.

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VEREDICTO FINAL (II)

                                    

Hace un tiempo que os hablé por aquí de la que es mi película favorita sobre mi profesión, la abogacía, "Veredicto Final" de Sidney Lumet (1.982) , con guión de David Mamet. 

Mucha gente recuerda la emocionante interpretación que hizo Paul Newman del abogado Frank Galvin, personaje por el que estuvo nominado al Oscar como Actor protagonista (y que perdió en favor del "Gandhi" de Ben Kingsley).

La película está basada en una novela de Barry Reed, que desafortunadamente no está traducida al español (o al menos yo sólo la he encontrado en inglés original) y como curiosidad diré que su autor era un abogado de Boston que vivió un doble éxito profesional, en su carrera y como escritor, siendo "Veredicto final" su novela más famosa. 

En un reportaje sobre el rodaje de la película, el propio Reed comparaba el ejercicio de la profesión con lo que se veían en la pantalla: 

" Todo el mundo siempre ha dicho que los abogados se parecen a los actores, y probablemente sea verdad; uno hace mucha preparación. Una cosa que no queremos en la sala de vistas es la espontaneidad; no les decimos [a los testigos] qué decir, pero sí les decimos cómo decirlo. El juez en `El Veredicto´ es completamente parcial, pero yo he visto esto: el juez observará a los abogados intentar ganar el caso, dejará que el jurado razone y saque las conclusiones sobre la credibilidad,  desafortunadamente, en el mundo real no funciona de esa manera."

Por último os dejo con un párrafo del libro, el momento en el que Galvin se da cuenta de que tiene en su mano ganar un juicio que, a priori, parecía una tarea imposible: 

"Y en ese momento supo que estaba completamente solo con este caso. El Juez estaba perdido. Rutledge estaba perdido. No podía confiar en sus clientes. Solo estaba él. Ahí fuera, solo contra el piloto que estaba dispuesto a matarlo.

Galvin estaba de pie, desplomado contra el palco del jurado. Llevaba el mismo traje que había usado durante tres días. Los pantalones le quedaban holgados. Necesitaba afeitarse. La afeitadora eléctrica que guardaba en la oficina era vieja y no apuraba mucho.

Pero nunca se había sentido tan bien.

Galvin había jugado la baza más arriesgada de su vida. Sus veinte años llevando casos e, el trabajo duro, ser magullado por los peces gordos —los Mike Kellermans, los Clint Darraghs— le habían dado una visión de los superegos. Siempre tenían que tener la última palabra. Contaba con eso.

Galvin miró alrededor de la sala, al juez, al jurado y a Concannon, y decidió parar justo ahí. Ese era el cebo final. La balanza se inclinaba ligeramente a su favor —lo suficiente para evitar un veredicto directo, lo suficiente para llegar al jurado—, pero la evidencia no era devastadora. Era suficiente para asegurar simpatía, pero no una gran victoria. Asumiría el riesgo de que la señora Stampanatto llevara al jurado hasta el final durante el contrainterrogatorio. Si Concannon picaba el anzuelo."

BARRY REED " Veredicto Final."

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THE WESTENER /EL FORASTERO (1940)

                                    

Siguiendo con la Retrospectiva que el Festival de Cine de San Sebastián dedicó este año a Lillian Hellman hoy hablamos de “The Westener / El Forastero”, película de 1.941.

Queriendo emular el éxito que había conseguido John Ford con “La Diligencia” en el año anterior, el productor Samuel Goldwyn encargó a William Willer dirigir una película sobre el llamado "Juez de la Horca" Roy Bean, un juez de paz en Texas que realmente existió y que se hacía llamar así mismo "La única ley al oeste del Pecos". Sobre un guión original de Jo Swerling y Niven Busch tanto Lillian Hellman como Oliver La Farge  dieron forma definitiva a la historia.

El último escollo para su rodaje lo protagonizó su principal estrella, Gary Cooper, que aunque había participado con Walter Brennan previamente en tres películas y haría otras cuatro más con él, intuía que su personaje de Roy Bean iba a tener más protagonismo que el suyo. Llegó a dirigir una carta a Goldwyn en el que le decía, entre otras cosas que: “Después de atenta y razonable consideración, siento tener que comunicarle que, en mi opinión, el personaje Cole Harden sigue siendo inadecuado e insatisfactorio para mi, lo mismo que la obra.” Al final Cooper acabó cediendo a regañadientes a las presiones de Goldwyn y la película fue un éxito.

El protagonista de la película, el forastero Cole Harden (Gary Cooper) llega a Vinegaroon (Texas) e inmediatamente es acusado de robar ganado. Es llevado a The Jersey Lilly, el saloon desde el que Roy Bean imparte justicia desde la propia barra, apoyado por un jurado de parroquianos. Rápidamente el forastero es sentenciado a la horca, pero el ahorcamiento se pospone por dos semanas, cuando Cole afirma conocer a la actriz inglesa LillieLangtry de la que Roy es devoto admirador. 

                                                                        

Lillie Langtry existió en la realidad y la obsesión de Roy Bean por ella también fue real, algunos dicen que el actual nombre de Vinegaroon, Langtry, es en su honor pero se dice que es debido a George Langtry un ingeniero que supervisaba los trabajos de ferrocarril de la zona.

Los temores iniciales de Gary Cooper se cumplieron, Walter Brennan ganó el año siguiente el Oscar como Mejor Actor de Reparto (su tercero) por su papel como Juez Roy Bean y la crítica dijo de la película cosas como esta: “Gary Cooper es un tipo sumamente modesto... quizás demasiado modesto para su propio bien... ya que en The Westerner... permite despreocupadamente que el papel más importante de la película le sea arrebatado y se le conceda al capaz Walter Brennan" escribió Bosley Crowther para The New York Times.

 

                                

Lo más destacable de la película es la relación que se establece entre Bean y Harden, que da lugar a situaciones bastante cómicas y también la fotografía de Gregg Toland, que destaca especialmente en las escenas de conflicto entre los ganaderos y los colonos a campo abierto.

Años después (en 1.972) John Houston retomaría el personaje de Roy Bean en su famosa película “El juez de la horca”, protagonizada por Paul Newman.

THE COWBOY AND THE LADY/ EL VAQUERO Y LA DAMA (1938)

Hoy hablamos de "The Cowboy and the Lady/El vaquero y la dama", película de H.C.Potter de 1938. El origen de esta película es de lo más curioso y nos lo cuenta Scott Berg, biógrafo de Samuel Goldwyn en su biografía del magnate del cine: 

"LeoMcCarey, uno de los inamovibles de Hollywood desde los tiempos del cine mudo, oyó hablar de la situación de Goldwyn y se encargó de proporcionar el estímulo. “Podía crear situaciones divertidísimas y, con imaginación y de forma casi inagotable, desarrollar esas situaciones- dijo Garson Kanin-. No era escritor, pero era un hablador superlativo, y en un momento y un lugar en el que había escasez de lectores y sobra de oyentes, los parlanchines eran más efectivos (y tenían más éxito) que los escritores.”

Goldwyn reunió a su equipo para escuchar lo último que se le había ocurrido a McCarey para hacer una película. Nadie se dio cuenta de que se estaba sacando la historia entera de la manga. Durante cerca de una hora pintó  escenas en que podían lucirse las estrellas, inventó situaciones cómicas y describió trucos divertidos. En resumen, la historia de McCarey se reducía  lo  de siempre, el chico que conoce a la chica, en esta ocasión un vaquero vulgar, y la hija de un candidato a la presidencia. Se llamaba “The Cowboy and the Lady/ El vaquero y la dama”. Goldwyn no estaba muy seguro de que lo que había oído fuer una argumento completo, pero estaba dispuesto a comprarlo.

Al día siguiente, pidió a cada uno de los que habían estado allí que le contaran el argumento de El vaquero y la dama. Después de oír la novena versión, se imaginaba ya lo que podía hacer con ella, y la compró por 50.000 dólares. Esa noche, Kanin se encontró con McCarey, y le felicitó. “Sí – dijo McCarey-, lo malo es que ahora tengo que escribirlo… y no puedo acordarme de qué demonios fue lo que dije.” Una docena de escritores desarrollaron el borrador, entre ellos algunos tan famosos como Anita Loos, Dorothy Parker, Robert Riskin (que había escrito la mayoría de los clásicos de Capra) y S.N.Behrman, que fue el que aparecía en los títulos de crédito."

Entre los guionistas no acreditados que desarrollaron la idea de McCarey estaba también la propia Lillian Hellman. Para otra versión de la misma anécdota tenemos la del biógrafo de Gary Cooper, Larry Swindell:

“ En las sobremesas de Hollywood todavía se cuenta cómo Leo McCarey engañó a Sam Goldwyn. La versión más completa es la contada por Garson Kanin. Ocurrió aproximadamente lo siguiente: (…) Leo Mc Carey, director de primera fila, que también escribía guiones, oyó decir que Goldwyn quería hacer aparecer a Gary Cooper junto a Merle Oberon.

Mc Carey se las arregló para entrevistarse a solas con Goldwyn y, cuando juzgó que había llegado el momento oportuno, comenzó a hablarle de un nuevo proyecto: una nueva película que versaría sobre una chica de la aristocracia, atrapada por un matrimonio convencional y muy aburrido que se enamora de un vaquero…

Acompañó la escena central con gestos y exclamaciones de entusiasmo hasta conseguir que Samuel Goldwyn comenzara a tener visiones de Merle Oberon y Gary Cooper bailando lentamente ante sus ojos. Sam le preguntó por el título del filme y el otro dijo “El vaquero y la dama”. A Goldwyn se le iluminaron los ojos. En el acto dijo que quería comprar la historia y le ofreció 50.000 dólares. Mc Carey consiguió vender al productor de mayor prestigio de Hollywood el guión más vulgar y socorrido de toda la historia del cine, guión del que ni siquiera existía una sinopsis. Sam le pidió repetidamente que le mandara el guión pero Leo siempre escurría el bulto. Finalmente Sam cayó en al cuenta de que no había comprado un guión sino una idea, y no tanto una idea, sino un título, compra que implicaba una transacción independiente."

Inicialmente Samuel Goldwyn encargó la dirección de la película a William Wyler, que horrorizado con el argumento fingió tres días consecutivos estar enfermo para no arrancar el rodaje, hasta que Goldwyn le liberó de su contrato y le sustituyó por H.C.Potter.

                          

La película es una comedia ligera, con las características propias de la denominada Screwball comedy: diálogos rápidos, el choque de clases como origen del enredo y una protagonista femenina en el centro de todo (en este caso interpretada por Merle Oberon, de la que hablamos hace poco en "El ángel de las tinieblas").

Mary Smith decide hacer algo atrevido mientras su padre está en campaña por la Presidencia. Se escapa a la casa familiar en West Palm Beach y se enreda románticamente con el cowboy de rodeos Stretch Willoughby (Gary Cooper), que piensa que ella es una doncella que sostiene a su familia con su trabajo. Gary Cooper está un poco encorsetado en su papel de cowboy, pero como secundario tiene a Walter Brennan que actuaría también junto a él en "The Westerner"/El forastero" de la que hablaremos próximamente. 

La película tuvo un moderado éxito en taquilla y obtuvo en 1939 el Oscar a mejor sonido (y había sido nominada también al Oscar a mejor canción original y mejor banda sonora).

                                                 

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RÍO BRAVO POR QUENTIN TARANTINO

"Bueno, aceptaré ese aplauso de este público genial porque estáis aquí para ver Río Bravo y podríais estar cenando en un buen restaurante francés. Están aquí para ver a Howard Hawks. ¡Bien por ustedes!

Sí... Es curioso, justo antes de que empezara la película, antes de que llegáramos, Pierre me preguntó: "Entonces, Quentin, ¿cuántas veces has visto Río Bravo?" y de hecho casi me da dolor de cabeza solo por intentar calcular cuántas veces he visto esta película. Solo puedo recordar la primera vez que la vi, que fue cuando tenía unos 5 años, y la vi con mi bisabuela, y me encantó, y a ella le encantó. Y fue curioso, porque la redescubrí mucho más tarde, una vez que me metí en Howard Hawks por mi cuenta, lo descubrí solo, alrededor de los 16 o 17 años.  Y luego me di cuenta, vi Río Bravo y me quedé noqueado: "Espera un minuto, esa es la película que vi con Momma".

Para mí, una de las cosas tan maravillosas de Río Bravo es que tiene todo tipo de cosas realmente geniales. Pero para mí, sí, para mí, es uno de mis westerns favoritos, es uno de los mejores westerns. Sí, es una de las mejores películas de Hawks, es una de las mejores películas de John Wayne, pero también encaja en otro género, porque siempre me dedico a dividir películas y meterlas en subgéneros: es una de las grandes "películas para pasar el rato".

Hay ciertas películas en las que pasas tanto tiempo con los personajes que en realidad se convierten en tus amigos, y es una cualidad muy rara en una película. No sucede a menudo y, por lo general, esas películas suelen ser bastante largas, porque en realidad se necesita ese tiempo para ir más allá de un personaje de película, donde sientes que conoces a la persona y te agrada. Y Río Bravo es quizás una de las mejores "películas para pasar el rato" de todos los tiempos. Cuando termina, son tus amigos. Y lo bueno de verla una y otra y otra vez es que ahora ya son tus amigos. Cada vez que la ves, simplemente estás pasando el rato con John T. Chance, Dude y Feathers, y son tus amigos.

 El crítico Robert Wood, de Gran Bretaña, dijo que, según su estimación, si alguna vez hubo una película para justificar la existencia del Cine Comercial de Hollywood, esa sería Río Bravo. Es una de ellas, no la única, ya sé, ya sé, tuvo que elegir una.

Una de las cosas que tanto me gustó de Howard Hawks fue que, al crecer sin un padre, Howard Hawks tenía ideas muy definidas sobre la masculinidad, lo que un hombre debería ser y las reglas de conducta y cosas así, pero no basadas en un sistema de clases ni nada de eso, sino simplemente en lo que se espera de un hombre. Y al descubrirlo de la forma en que lo hice, sin tener una influencia masculina en mi casa ni nada, empecé a adoptar sus ideas de lo que era un hombre. Él, ya sabes, simplemente me ayudó, me guió un poco a través de mi vida como una especie de padre sustituto, un padre sustituto en algún lugar.

Pero lo que más me gustaba de Río Bravo era... hubo un momento en mi vida en el que era, sin lugar a dudas y al 100%, mi película favorita. Y mi meta era... esto fue mucho antes de que tuviera una novia, y años antes de que tuviera una novia, desafortunadamente, yo todavía estaba en mi veintena en ese momento y mi meta era: si alguna vez me gustaba una chica y empezábamos a salir un poco, le enseñaba Río Bravo y más le valía que le gustara..."

QUENTIN TARANTINO. Festival de Cannes 2007.

                                    

                          Fotograma de "Río Bravo" de Howard Hawks

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